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バロックギター
バロックギター華麗で情熱的、そして驚くほど繊細な音色を持つこの楽器は、現代ギターが確立されるまでの歴史の架け橋となった、極めて重要な存在である。
バロック音楽が隆盛を極めた時代、王侯貴族のサロンから庶民の集う広場まで、あらゆる場所でその響きは愛された。
リュートの優雅さを引き継ぎながら、よりリズミカルで和声的な表現力を獲得したバロックギターは、当時の音楽シーンに革命をもたらした。
第1章：バロックギターの夜明け
リュートの黄昏とギター
17世紀初頭、ヨーロッパの音楽界は大きな転換期を迎えていた。
中世からルネサンスにかけて、撥弦楽器の王として君臨していたのは「リュート」であった。
その繊細で複雑なポリフォニー（多声部音楽）を奏でる能力は、貴族や知識人たちの間で高く評価され、宮廷音楽の中心を担っていた。
しかし、バロック時代（1600年頃～1750年頃）の到来とともに、音楽の潮流は変化する。
より劇的で、感情表現豊かな「モノディ様式」（独唱と単純な和音伴奏）や、舞曲に代表されるリズミカルな音楽が好まれるようになったのだ。
この変化に対応するため、リュートは音域を拡大しようと試みる。
弦の数は10本、12本、14本と増え続け、テオルボやキタローネといった巨大なバス・リュートも登場した。
楽器は大きく、複雑になり、その演奏はますます専門的な技術を要するものとなっていった。
その一方で、音楽の享受層は貴族だけでなく、勃興しつつあった市民階級にも広がり始めていた。
彼らが求めたのは、宮廷で奏でられるような難解な楽器ではなく、もっと手軽で、親しみやすく、歌の伴奏やダンスの伴奏に適した楽器だった。
そのニーズに完璧に応えたのが、5コースの弦を持つ「ギター」だったのである。
ルネサンスギターからバロックギターへ
バロックギターが歴史の表舞台に登場する前、16世紀には「ルネサンスギター」と呼ばれる4コース（4対の複弦）の小型ギターが存在した。
この楽器は主に和音をかき鳴らして歌の伴奏に使う、比較的素朴な楽器であった。
しかし16世紀末から17世紀初頭にかけて、この楽器に決定的な変化が訪れる。
最も低い音域に5コース目の弦が追加されたのだ。
この一本の弦の追加が、単なる音域の拡大以上の、革命的な意味を持っていた。
5コースになったことで、ギターはより充実した和音を奏でることが可能になり、通奏低音（バロック音楽の和声的土台を支えるパート）楽器としての役割を担う能力を獲得した。
これにより、ギターは単なる伴奏楽器から、アンサンブルの中心を担えるソリスティックな楽器へと昇格したのである。
この5コース複弦の楽器こそが、今日私たちが「バロックギター」と呼ぶものであり、その誕生は、まさに新しい時代の音楽からの要請であった。
「スパニッシュ・ギター」
バロックギターは、特にスペインで爆発的な人気を博し、発展を遂げた。
そのため、当時のヨーロッパでは「スパニッシュ・ギター（Chitarra Spagnola）」という名で広く知られていた。
スペインの情熱的な舞曲や民俗音楽の魂は、バロックギターが持つリズミカルな特性と完璧に融合した。
指で弦をまとめて掻き鳴らす「ラスゲアード奏法」は、スペイン音楽に不可欠なテクニックであり、バロックギターのアイデンティティそのものを形成したと言っても過言ではない。
著名なギター製作家であるホセ・ラミレス三世は、「ギターと呼べる最初の楽器は、ラスゲアード奏法を確立し、音楽を発展させた5コースのバロックギターである」という見解を示している。
これは、バロックギターが単にリュートの代用品ではなく、独自の音楽語法と表現世界を確立した、独立した楽器であったことを物語っている。
この「スパニッシュ・ギター」は、スペインからイタリア、フランス、イギリス、ドイツへと瞬く間に伝播し、ヨーロッパ中の宮廷や劇場、家庭で愛される楽器となっていったのである。
第2章： バロックギターの構造と特徴
バロックギターの魅力は、その音楽性だけでなく、楽器自体のユニークな構造と、そこから生まれる独特の響きにある。
現代のギターとは似て非なるその姿は、当時の職人技と音楽思想の結晶であった。
5コース複弦：リエントラント・チューニング
バロックギターの最も顕著な特徴は、5コースの「複弦」であることだ。
「コース」とは弦のグループを指し、1コースから4コースまでは同じ音（またはオクターブ違いの音）に調弦された2本の弦がペアで張られ、最高音の1コース（または最低音の5コース）のみが単弦で張られる構成が一般的だった。
この複弦構造が、バロックギターにきらびやかで豊かな響きを与えている。
まるでコーラスエフェクトがかかったような、独特のうねりと広がりを持つサウンドは、単弦の楽器では決して得られないものだ。
さらに興味深いのは、その調弦方法である。
現代ギターのように低音弦から高音弦へ一直線に並んでいるのではなく、「リエントラント・チューニング（re-entrant tuning）」と呼ばれる変則的な調弦がしばしば用いられた。
これは、例えば4コース目の弦が、5コース目の弦よりも高い音に調弦されるといった、音の並びが「再突入」するチューニングである。
この一見不合理に見える調弦は、ラスゲアード奏法で弦を上下にかき鳴らした際に、高音と低音が入り混じった複雑で華やかな響きを生み出すための工夫であった。
上から下へ掻き下ろしても、下から上へ掻き上げても、常に高音弦が軽やかに鳴り響く。
この工夫こそが、バロックギター特有の軽快さと輝きを生み出す秘密だったのである。
ガット弦
現代のギター弦の主流がナイロンやスチールであるのに対し、バロックギターには「ガット弦」が張られていた。
ガット（gut）とは動物の腸（主に羊）を意味し、その腸を洗浄し、細く裂いて撚り合わせて作られた弦である。
ガット弦の音色は、ナイロン弦よりも遥かに温かく、有機的で、人間の声に近い質感を持つ。
倍音が豊かでありながら、その響きはどこか柔らかく、儚い。
しかし、この美しい音色には代償も伴った。
ガット弦は温度や湿度の変化に非常に敏感で、チューニングはすぐに狂ってしまう。
また、耐久性も低く、頻繁な交換が必要だった。
特に、低い音を出すための太いガット弦は、音が不明瞭で「最悪だった」と記録に残るほど質が悪かったという。
この「太い低音弦問題」こそが、後にギターが6本の単弦へと進化する大きな要因の一つとなるのだが、バロック時代においては、演奏家たちはこの繊細で気まぐれな弦を巧みに操り、魂のこもった音楽を紡ぎ出していたのである。
可動フレットの自由と芸術性
現代のギターのフレットが指板に金属を埋め込んだ固定式であるのに対し、バロックギターのフレットは、ネックに直接ガット弦を巻き付けて結びつけた「可動フレット」であった。
これは、演奏者が自分の手でフレットの位置を微調整できることを意味する。
なぜこのような手間のかかる方式が採用されたのか。
その理由は、バロック時代に用いられていた様々な「音律（チューニングのシステム）」に対応するためであった。
現代の平均律とは異なり、ミーントーンやウェル・テンペラメントといった古典的な音律では、和音によって響きの美しさが異なった。
可動フレットは、演奏する曲の調性に合わせて最も美しく響くようにフレットの位置を調整することを可能にした。
これは、演奏家が単に音を出すだけでなく、響きそのものを創造する役割を担っていたことを示している。
この自由度の高さが、バロックギターの表現の幅を広げる一因ともなっていた。
華麗なる装飾：楽器は芸術品
バロックギターは、耳だけでなく目をも楽しませる芸術品であった。
ボディは現代のギターよりも小ぶりでくびれが深く、優雅な曲線を描いている。
そして何よりも特徴的なのが、その豪華な装飾だ。
サウンドホールには、紙や羊皮紙を切り抜いて作られた「ロゼッタ」と呼ばれる、幾重にも重なったバラ窓のような美しい飾りがはめ込まれている。
これは音響的な役割も果たしつつ、楽器の顔として精緻な美しさを誇っていた。
さらに、ボディの縁や指板、ヘッドには、マザー・オブ・パール（真珠母貝）、象牙、黒檀、べっ甲といった高価な素材を用いた象嵌細工が惜しげもなく施された。
当時のギター製作家は、単なる職人ではなく、芸術家でもあった。
彼らはその技術の粋を集め、一本一本のギターに個性と魂を吹き込んだ。
宮廷で演奏される楽器は、持ち主である王侯貴族の権威と富、そして芸術的洗練を示す象徴でもあったのだ。
この視覚的な美しさが、バロックギターが奏でる音楽と一体となり、聴衆を魅了する総合芸術を創り出していた。
第3章： 奏法と音楽様式
バロックギターの真価は、その独特な奏法と、それによって表現される音楽様式の中にこそ見出される。
この楽器は、二つの対照的な奏法を使い分けることで、驚くほど多様な表情を見せた。
それは、情熱的な「ラスゲアード」と、知的な「プンテアード」の二重奏であった。
ラスゲアード
「ラスゲアード（Rasgueado）」とは、スペイン語で「掻き鳴らす」ことを意味する奏法である。
指（または複数の指）を使って、すべての弦をリズミカルに、かつ力強く掻き鳴らすこのテクニックは、バロックギターの代名詞とも言える。
これは単なるコードストロークではない。
指の出す順番、打ちつける角度、スピードを複雑に組み合わせることで、打楽器的な効果や、ポリリズミックな（複数のリズムが同時に鳴る）効果を生み出す、高度な技術であった。
この奏法は、ファンダンゴ、サラバンド、チャコーナといったスペイン起源の情熱的な舞曲と分かちがたく結びついている。
激しいリズムと情熱的な和音の連続は、聴く者の心を直接揺さぶり、踊りへと誘う力を持っていた。
ガスパル・サンスをはじめとするスペインの作曲家たちは、このラスゲアードを駆使した作品を数多く残し、ギターならではの音楽世界を切り開いた。
リエントラント・チューニングされたギターでラスゲアードを演奏すると、弦を掻き下ろしても掻き上げても、常に高音のきらびやかな音が響き渡り、まるで鈴を鳴らしたかのような華やかさが生まれる。
このサウンドこそが、人々を熱狂させたバロックギターの魂の叫びであった。
プンテアード
ラスゲアードの情熱とは対照的な世界を描き出すのが、「プンテアード（Punteado）」奏法である。
これは「爪弾く」ことを意味し、指先で一本一本の弦を弾いて、旋律や対位法的な音楽を奏でるテクニックである。
この奏法は、リュートから受け継がれた伝統的なスタイルであり、より知的で内省的な音楽表現を可能にした。
フランスやイタリアの作曲家、例えばフランチェスコ・コルベッタやロベール・ド・ヴィゼらは、このプンテアードを駆使して、宮廷の洗練された趣味に合う優雅で精緻な楽曲を数多く作曲した。
彼らの作品では、ギターは複数の独立した旋律線を同時に奏でる。
あたかも複数の歌手が対話しながら歌っているかのような、複雑で美しいポリフォニーの世界が、たった一本のギターで表現されたのである。
優れたギタリストは、このラスゲアードとプンテアードを巧みに織り交ぜた。
一つの曲の中で、情熱的な和音の嵐から、静かで繊細な旋律のささやきへと自在に行き来することができた。
この表現の幅広さこそが、バロックギターがリュートに取って代わり、時代を代表するソロ楽器となり得た最大の理由の一つであろう。
通奏低音楽器
ソロ楽器としての華々しい活躍の一方で、バロックギターはアンサンブルの中で極めて重要な役割を担っていた。
それが「通奏低音（Basso Continuo）」の演奏である。
通奏低音とは、バロック音楽の根幹をなす和声的な土台であり、チェロやヴィオラ・ダ・ガンバのような低音旋律楽器と、チェンバロ、オルガン、リュート、そしてギターのような和音楽器が担当した。
楽譜には低音部の旋律と、和音を示すための数字（数字付き低音）が書かれているだけで、和音の具体的な形やリズムは演奏者に委ねられていた。
バロックギターは、その和音演奏能力（特にラスゲアード）とリズムの明快さから、この役割に非常に適していた。
オペラやカンタータ、器楽ソナタといったあらゆるジャンルの音楽で、バロックギターは全体のハーモニーを支え、リズムを牽引する、いわば「縁の下の力持ち」として活躍した。
この通奏低音楽器としての経験が、ギターの和声的な能力をさらに発展させ、後のクラシックギターへと続く道筋をつけたのである。
第4章：黄金時代の巨匠と不朽の名作
バロックギターの黄金時代は、この楽器の可能性を最大限に引き出した多くの才能ある作曲家兼演奏家たちによって築かれた。
彼らが残した楽譜は、当時の音楽の息吹を現代に伝える貴重な遺産であり、今なお多くのギタリストにインスピレーションを与え続けている。
スペイン：ガスパル・サンス (Gaspar Sanz, 1640-1710)
バロックギターの歴史を語る上で、ガスパル・サンスの名を避けて通ることはできない。
サラゴサ出身の学僧であり、オルガニスト、そしてギタリストであった彼は、1674年に『スペインギターによる音楽教育（Instrucción de Música sobre la Guitarra Española）』という画期的な教則本を出版した。
これは単なる練習曲集ではなく、当時のギター奏法、音楽理論、そしてスペイン各地の舞曲（カナリオス、エスパーニョレータ、フォリアスなど）を網羅した、バロックギター音楽の一大百科事典であった。
サンスの作品は、民俗的なエネルギーと洗練された対位法の技術が見事に融合している。
彼の書いた旋律は、スペインの魂そのものを映し出すかのように情熱的で、哀愁に満ちている。
20世紀の作曲家ホアキン・ロドリーゴが、自身の有名な作品『ある貴紳のための幻想曲』でサンスの主題を引用したことからも、その音楽の普遍的な魅力がうかがえるだろう。
フランス宮廷：コルベッタとヴィゼ
スペインで燃え上がったギター熱は、すぐにフランスへと伝わった。
ルイ14世が君臨するヴェルサイユ宮殿では、イタリア出身のギタリスト、フランチェスコ・コルベッタ（Francesco Corbetta, 1615-1681）が絶大な人気を博した。
彼は、イタリアの技巧的なスタイルとフランスの優雅な舞曲様式を融合させ、ギターの地位を飛躍的に高めた。
1670年に出版された『王宮のギター（La Guitarre Royalle）』は、ルイ14世に献呈された曲集であり、その洗練された内容は、ギターがもはや民衆の楽器ではなく、王侯貴族の芸術であることを高らかに宣言していた。
コルベッタの後継者として、その地位を受け継いだのが、フランス人のロベール・ド・ヴィゼ（Robert de Visée, 1650-1725）である。
彼はテオルボ（大型のリュート）の名手でもあり、その作品にはリュート音楽の精緻な対位法が色濃く反映されている。
1682年の『王に捧げしギター曲集』などに収められた彼の組曲は、アルマンド、クーラント、サラバンド、ジーグといったフランス舞曲のエッセンスが凝縮されており、深い情感と気品に満ちている。
ヴィゼの音楽は、バロックギターが到達した芸術的な頂点の一つを示している。
イタリア：ルドヴィコ・ロンカッリ (Ludovico Roncalli, 1654-1713)
イタリアからも、優れたギター音楽が生まれている。
貴族であり、アマチュアのギタリストであったルドヴィコ・ロンカッリは、1692年に『スパニッシュ・ギターのためのカプリッチョ（Capricci Armonici sopra la Chitarra Spagnola）』を出版した。
この曲集に収められたパッサカリアや組曲は、イタリアらしい明朗な旋律と、充実した和声が特徴である。
特に、彼の作品は後の作曲家レスピーギが『リュートのための古風な舞曲とアリア』で編曲したことでも知られ、その音楽的価値の高さが再認識されている。
現代ギターへ：バッハとスカルラッティ
興味深いことに、現代のクラシックギターで演奏されるバロック時代のレパートリーの多くは、元々はバロックギターのために書かれたものではない。
その代表格が、ヨハン・ゼバスティアン・バッハ（Johann Sebastian Bach, 1685-1750）のリュート作品である。
バッハ自身はギタリストではなかったが、リュート（またはラウテンヴェルクという鍵盤楽器）のために書いた組曲やフーガは、その多声的な構造と音楽の深さから、6弦ギターへの編曲に非常に適しており、ギタリストにとっての聖典となっている。
また、同時代に鍵盤楽器の世界で活躍したドメニコ・スカルラッティ（Domenico Scarlatti, 1685-1757）の存在も重要だ。
彼が作曲した500曲以上にのぼるチェンバロのためのソナタは、スペイン音楽の影響を色濃く受けており、ギター的な書法（和音の連打や急速なパッセージ）が随所に見られる。
20世紀最高のギタリスト、アンドレス・セゴビアがこれらのソナタをギター用に編曲し、レパートリーに加えて以来、スカルラッティの作品はギターで演奏されることがごく自然になった。
これらの編曲作品は、バロック時代の音楽の精神が、楽器の垣根を越えて現代に生き続けていることの証左と言えるだろう。
第5章： 衰退と現代における復興
栄華を極めたバロックギターであったが、その流行は永遠には続かなかった。
18世紀後半になると、音楽の嗜好はバロックの複雑さから、よりシンプルで明快な古典派様式へと移行していく。
そして、楽器の世界にも大きな技術革新が訪れた。
6弦ギターへの道
バロックギターが抱えていた最大の弱点の一つは、前述の通り、質の悪いガット弦では明瞭な低音が得られないことであった。
しかし18世紀中頃、「巻き弦」の発明がこの問題を一変させる。
芯となる弦に細い金属線を巻き付けることで、弦を過度に太くすることなく、重さと密度を増し、豊かでクリアな低音を生み出すことが可能になったのだ。
この新しい弦の登場により、豊かな倍音を持つ低音弦を張ることができるようになった。
その結果、ペアで張ることで音量を補っていた複弦は不要となり、よりクリアで演奏の自由度が高い「単弦」が主流となっていく。
そして、巻き弦による充実した低音域の確保が可能になったことで、ギターはさらに低い音を求めて6コース目の弦を持つようになった。
こうして、18世紀末から19世紀初頭にかけて、5コース複弦のバロックギターは、6コース単弦（やがて6弦単弦）のアーリー・ロマンティック・ギターへと姿を変え、その地位を譲っていった。
ピアノやヴァイオリンといった、より音量が大きくダイナミックレンジの広い楽器がコンサートホールの主役となる中で、バロックギターは次第に忘れ去られ、博物館の片隅で静かに眠る存在となってしまったのである。
古楽復興運動と再発見
20世紀に入り、音楽の世界に大きな潮流が生まれる。
それが「古楽復興運動（ピリオド楽器演奏）」である。
これは、バッハやヘンデルといったバロック時代の音楽を、現代の楽器ではなく、作曲された当時の楽器（ピリオド楽器）と奏法で演奏しようという試みであった。
この運動の中で、チェンバロやヴィオラ・ダ・ガンバといった楽器と共に、忘れられていたバロックギターにも再び光が当てられた。
研究者たちは古い楽譜や文献を解読し、製作家たちは博物館の楽器を元にレプリカを製作し、そして演奏家たちは試行錯誤を繰り返しながら、失われた奏法と響きを現代に蘇らせようと努力した。
その結果、私たちは再び、サンスやヴィゼが意図したであろう、きらびやかで情熱的なバロックギター本来のサウンドを耳にすることができるようになったのである。
現代の演奏家とバロックギター
今日、多くのクラシックギタリストや古楽専門家がバロックギターを演奏している。
彼らがこの古い楽器に求めるものは何だろうか。
一つは、歴史的探求心である。
バロック時代のレパートリーをその時代の楽器で演奏することは、作曲家の意図により深く迫り、音楽の本来の姿を理解するための鍵となる。
もう一つは、新たな音楽表現の発見である。
リエントラント・チューニングやラスゲアード奏法は、現代のギターにはない独特の表現力を秘めている。
この楽器を手にすることで、演奏家はこれまでとは全く異なる音のパレットを得ることができ、自身の音楽性を豊かにすることができる。
バロックギターの響きは、現代の音楽シーンにおいても新鮮なインスピレーションの源泉となっているのだ。
古の弦と未来
バロックギターは、単なる現代ギターの未熟な前身ではない。
それは、バロックという時代が生んだ、独自の美学と哲学を持つ、完成された一個の楽器である。
リュートの伝統を受け継ぎながら、スペインの情熱を取り込み、フランスの洗練を纏い、ヨーロッパ中を駆け巡ったその響きは、ギターという楽器の可能性を劇的に押し広げた。
その構造、奏法、そして音楽は、後のギターの進化の礎となり、そのDNAは現代のギターの中にも脈々と受け継がれている。
一度は歴史の波にのまれ、沈黙したかに見えたこの楽器が、数世紀の時を経て再び私たちの前で歌い始めたという事実は、真に価値ある芸術が持つ普遍的な力を物語っている。
バロックギターの弦を爪弾くとき、私たちは17世紀の宮廷のざわめきや、広場の喧騒を、確かに感じることができる。
In English
The World of Baroque Guitars
Baroque Guitars
“baroque guitar” This instrument, with its elegant, passionate, and surprisingly delicate tone, served as a crucial bridge in the history leading up to the establishment of the modern guitar.
During the heyday of baroque music, its sound was cherished in every setting, from the salons of nobility to the squares where commoners gathered.
Building on the elegance of the lute, the Baroque guitar acquired a more rhythmic and harmonic expressiveness, revolutionizing the musical landscape of its time.
In this article, we embark on a journey to peel back the layers of mystery surrounding the Baroque guitar.
Chapter 1: The Dawn of the Baroque Guitar
The Twilight of the Lute and the Guitar
In the early 17th century, the European music scene was undergoing a major transformation.
From the Middle Ages to the Renaissance, the lute reigned supreme as the king of plucked string instruments.
Its ability to play delicate and complex polyphony (multiple-voice music) was highly valued among nobles and intellectuals, and it played a central role in court music.
However, with the arrival of the Baroque era (around 1600 to 1750), the tide of music began to shift.
More dramatic and emotionally expressive “monody style” (solo singing with simple chord accompaniment) and rhythmic music represented by dance music became popular.
To adapt to this change, the lute attempted to expand its range.
The number of strings increased to 10, 12, and 14, and large bass lutes such as the theorbo and cittern also appeared.
The instruments became larger and more complex, and their performance required increasingly specialized techniques.
At the same time, the audience for music began to expand beyond the nobility to include the emerging middle class.
What they sought was not the difficult-to-play instruments used in the court, but rather instruments that were more accessible, familiar, and suitable for accompanying songs and dances.
The instrument that perfectly met this need was the five-course “guitar.”
From the Renaissance guitar to the Baroque guitar
Before the Baroque guitar appeared on the historical stage, there was a small four-course (four pairs of double strings) guitar called the “Renaissance guitar” in the 16th century.
This instrument was a relatively simple one, primarily used to strum chords for singing accompaniment.
However, from the late 16th century to the early 17th century, this instrument underwent a decisive change.
A fifth string was added to the lowest register.
This single addition of a string had revolutionary significance beyond merely expanding the range.
With five courses, the guitar became capable of producing richer chords and acquired the ability to function as a basso continuo instrument (a part that supports the harmonic foundation of Baroque music).
As a result, the guitar was elevated from a mere accompaniment instrument to a soloistic instrument capable of taking center stage in an ensemble.
This five-course double-stringed instrument is what we now call the “baroque guitar,” and its birth was a response to the demands of a new era in music.
“Spanish Guitar”
The baroque guitar gained explosive popularity and developed particularly in Spain.
As a result, it was widely known in Europe at the time as the “Spanish guitar (Chitarra Spagnola).”
The passionate spirit of Spanish dance music and folk music perfectly fused with the rhythmic characteristics of the Baroque guitar.
The “rasgueado technique,” where the strings are strummed together with the fingers, is an indispensable technique in Spanish music and can be said to have shaped the very identity of the Baroque guitar.
The renowned guitar maker José Ramírez III stated, “The first instrument that can be called a guitar is the five-course Baroque guitar, which established the rasgueado technique and developed music.”
This illustrates that the Baroque guitar was not merely a substitute for the lute but an independent instrument that established its own musical language and expressive world.
This “Spanish guitar” quickly spread from Spain to Italy, France, England, and Germany, becoming a beloved instrument in courts, theaters, and homes across Europe.
Chapter 2: Structure and Characteristics of the Baroque Guitar
The appeal of the Baroque guitar lies not only in its musicality but also in its unique structure and the distinctive sound it produces.
Its appearance, which is similar yet different from that of the modern guitar, was the culmination of the craftsmanship and musical philosophy of the time.
5-course double strings: Rentrant tuning
The most distinctive feature of the Baroque guitar is its 5-course “double strings.”
A “course” refers to a group of strings, and typically, the first four courses consist of two strings tuned to the same pitch (or an octave apart), while the highest-pitched first course (or the lowest-pitched fifth course) is a single string.
This double-string structure gives the Baroque guitar its brilliant and rich sound.
The unique, undulating and expansive sound, reminiscent of a chorus effect, is something that cannot be achieved with a single-stringed instrument.
What is even more interesting is the tuning method.
Rather than being arranged in a straight line from low to high strings like modern guitars, an irregular tuning method called “re-entrant tuning” was often used.
This involves tuning the strings so that, for example, the fourth string is tuned to a higher pitch than the fifth string, creating a “re-entrant” arrangement of pitches.
This seemingly irrational tuning was a clever device to create a complex and vibrant sound with a mix of high and low notes when strumming the strings up and down with the rasgueado technique.
Whether strumming down from top to bottom or up from bottom to top, the high strings always ring out lightly.
This ingenuity was the secret behind the Baroque guitar’s unique lightness and brilliance.
Gut strings
While modern guitar strings are mainly made of nylon or steel, Baroque guitars were strung with “gut strings.”
“Gut” refers to animal intestines (primarily sheep), which are cleaned, sliced into thin strips, and twisted together to form strings.
The sound of gut strings is far warmer, more organic, and closer to the human voice than that of nylon strings.
They are rich in overtones yet have a soft, delicate resonance.
However, this beautiful tone came at a cost.
Gut strings are highly sensitive to changes in temperature and humidity, causing tuning to quickly go out of tune.
They also have low durability, requiring frequent replacement.
In particular, the thick gut strings used for lower pitches were of such poor quality that they were described as “awful” in historical records.
This “thick bass string issue” would later become one of the major factors driving the evolution of the guitar to six single strings, but during the Baroque era, musicians skillfully manipulated these delicate and capricious strings to create soulful music.
The freedom and artistry of movable frets
While modern guitar frets are fixed in place with metal embedded in the fingerboard, Baroque guitar frets were “movable frets” directly wound and tied to the neck with gut strings.
This allowed performers to manually adjust the fret positions as needed.
Why was such a labor-intensive method adopted?
The reason was to accommodate the various “tuning systems” used during the Baroque era.
Unlike modern equal temperament, classical tuning systems such as meantone and well-tempered tuning produced different levels of harmonic beauty depending on the chords.
Movable frets made it possible to adjust the position of the frets to achieve the most beautiful sound for the key of the piece being played.
This demonstrates that performers not only produced sound but also played a role in creating the sound itself.
This high degree of freedom was one of the factors that expanded the expressive range of the Baroque guitar.
Elegant decoration: The instrument as a work of art
The Baroque guitar was a work of art that delighted not only the ears but also the eyes.
The body was smaller than modern guitars, with a deep waist and elegant curves.
Perhaps the most distinctive feature was its luxurious decoration.
The soundhole was adorned with a “rosette,” a beautiful decoration resembling a rose window made from layered paper or parchment.
This served both an acoustic function and as the instrument’s face, showcasing its exquisite beauty.
Furthermore, the edges of the body, fingerboard, and head were adorned with inlaid work using expensive materials such as mother-of-pearl, ivory, ebony, and tortoiseshell.
The guitar makers of the time were not merely craftsmen but also artists.
They gathered the pinnacle of their craftsmanship and infused each guitar with individuality and soul.
Instruments played at court were also symbols of the authority, wealth, and artistic refinement of their owners, the nobility.
This visual beauty combined with the music played on the Baroque guitar to create a comprehensive art form that captivated audiences.
Chapter 3: Playing Techniques and Musical Styles
The true value of the Baroque guitar lies in its unique playing techniques and the musical styles they express.
This instrument displayed an astonishing variety of expressions by utilizing two contrasting playing techniques.
It was a duet of the passionate “rasgueado” and the intellectual “puntado.”
Rasgueado
“Rasgueado” is a Spanish term meaning “to strum.”
This technique, which involves using one or more fingers to rhythmically and forcefully strum all the strings, is synonymous with the Baroque guitar.
It is not merely a chord stroke.
By complexly combining the order of finger movements, the angle of impact, and speed, it produces percussive effects and polyrhythmic (multiple rhythms sounding simultaneously) effects, making it a highly advanced technique.
This technique is inextricably linked to passionate Spanish dance pieces such as fandango, sarabande, and chaconne.
The intense rhythms and passionate chords directly stirred the hearts of listeners and had the power to entice them to dance.
Spanish composers such as Gaspar Sanz created numerous works utilizing this rasgueado technique, opening up a unique musical world specific to the guitar.
When playing rasgueado on a reentrant-tuned guitar, whether strumming down or up, the strings always produce a brilliant high-pitched sound, creating a dazzling effect reminiscent of ringing bells.
This sound was the soulful cry of the Baroque guitar that captivated audiences.
Punteado
In contrast to the passion of rasgueado, the punteado technique depicts a contrasting world.
This technique involves plucking each string with the fingertips to play melodies and contrapuntal music.
This technique is a traditional style inherited from the lute, enabling a more intellectual and introspective form of musical expression.
French and Italian composers, such as Francesco Corbetta and Robert de Visée, made extensive use of Punteado to compose numerous elegant and intricate pieces that suited the refined tastes of the court.
In their works, the guitar plays multiple independent melodies simultaneously.
It is as if multiple singers are conversing while singing, creating a complex and beautiful world of polyphony expressed by a single guitar.
Skilled guitarists skillfully intertwined rasgueado and punteado.
Within a single piece, they could freely transition from passionate harmonies to quiet, delicate melodies.
This wide range of expression is one of the main reasons why the Baroque guitar replaced the lute and became the representative solo instrument of the era.
Continuo Instrument
While the Baroque guitar played a brilliant role as a solo instrument, it also played an extremely important role in ensembles.
This was the performance of the “basso continuo.”
The basso continuo was the harmonic foundation of Baroque music, performed by low-pitched melody instruments such as the cello and viola da gamba, and harmonic instruments such as the harpsichord, organ, lute, and guitar.
The sheet music only included the bass melody and numbers indicating the chords (figured bass), leaving the specific form and rhythm of the chords to the performer’s discretion.
The Baroque guitar was particularly suited to this role due to its chord-playing capabilities (especially rasgueado) and clear rhythm.
In all genres of music, including opera, cantatas, and instrumental sonatas, the Baroque guitar played a pivotal role in supporting the overall harmony and driving the rhythm, serving as the “unsung hero” of the ensemble.
This experience as a continuo instrument further developed the guitar’s harmonic capabilities, paving the way for the classical guitar that followed.
Chapter 4: The Masters of the Golden Age and Their Timeless Masterpieces
The golden age of the Baroque guitar was built by many talented composers and performers who maximized the potential of this instrument.
The sheet music they left behind is a valuable legacy that conveys the spirit of the music of that time to the present day and continues to inspire many guitarists today.
Spain: Gaspar Sanz (1640-1710)
When discussing the history of the Baroque guitar, it is impossible to overlook the name of Gaspar Sanz.
A monk from Zaragoza who was also an organist and guitarist, he published the groundbreaking instructional book “Instrucción de Música sobre la Guitarra Española” (Instruction in Music on the Spanish Guitar) in 1674.
This was not merely a collection of exercises but a comprehensive encyclopedia of Baroque guitar music, covering the guitar techniques, music theory, and dance forms (such as canarios, espagnoleta, and folias) of the time across Spain.
Sans’ works beautifully blend folk energy with sophisticated counterpoint techniques.
The melodies he composed are passionate and melancholic, as if reflecting the very soul of Spain.
The universal appeal of his music is evident in the fact that 20th-century composer Joaquín Rodrigo quoted Sans’ theme in his famous work “Fantasia para un Gentilhombre.”
The French Court: Corbetta and Vise
The guitar craze that swept Spain quickly spread to France.
At the Palace of Versailles, where Louis XIV reigned, Italian guitarist Francesco Corbetta (1615-1681) enjoyed immense popularity.
He fused the technical style of Italy with the elegant dance style of France, greatly elevating the status of the guitar.
Published in 1670, “La Guitarre Royalle” was a collection of songs dedicated to Louis XIV, and its refined content proudly declared that the guitar was no longer an instrument of the common people, but an art form of the nobility.
Robert de Visée (1650-1725), a Frenchman, succeeded Corbetta and inherited his position.
He was also a master of the theorbo (a large lute), and his works reflect the intricate counterpoint of lute music.
His suites, collected in works such as “Guitar Pieces Dedicated to the King” (1682), are filled with deep emotion and elegance, condensing the essence of French dance music such as the allemande, courante, sarabande, and gigue.
Visée’s music represents one of the artistic peaks reached by the Baroque guitar.
Italy: Ludovico Roncalli (1654-1713)
Italy also produced excellent guitar music.
Ludovico Roncalli, a nobleman and amateur guitarist, published Capricci Armonici sopra la Chitarra Spagnola (Capriccios for Spanish Guitar) in 1692.
The passacaglia and suites included in this collection are characterized by bright melodies and rich harmonies typical of Italian music.
In particular, his works are known for being arranged by the later composer Respighi in “Ancient Dances and Arias for Lute,” and their musical value has been reevaluated.
Modern Guitar: Bach and Scarlatti
Interestingly, much of the Baroque repertoire played on the modern classical guitar was not originally written for the Baroque guitar.
A prime example of this is Johann Sebastian Bach’s lute works.
Although Bach himself was not a guitarist, the suites and fugues he wrote for the lute (or the keyboard instrument known as the lautenwerk) are highly suited for arrangement for the six-string guitar due to their polyphonic structure and musical depth, making them a sacred text for guitarists.
The presence of Domenico Scarlatti (1685-1757), who was active in the world of keyboard instruments during the same period, is also important.
The more than 500 sonatas he composed for the harpsichord are strongly influenced by Spanish music, and guitar-like techniques (such as repeated chords and rapid passages) can be seen throughout.
Since the 20th century’s greatest guitarist, Andrés Segovia, arranged these sonatas for guitar and added them to his repertoire, it has become natural for Scarlatti’s works to be played on the guitar.
These arrangements are proof that the spirit of Baroque music lives on in the modern era, transcending the boundaries of musical instruments.
Chapter 5: Decline and Revival in the Modern Era
Although the Baroque guitar enjoyed great popularity, its popularity did not last forever.
In the latter half of the 18th century, musical tastes shifted from the complexity of the Baroque to the simpler and clearer classical style.
At the same time, major technological innovations occurred in the world of musical instruments.
The Path to the Six-String Guitar
One of the greatest weaknesses of the Baroque guitar, as mentioned earlier, was that poor-quality gut strings could not produce clear low tones.
However, in the mid-18th century, the invention of “wound strings” revolutionized this issue.
By winding a thin metal wire around the core string, it became possible to increase the weight and density of the string without making it excessively thick, thereby producing rich and clear low tones.
With the introduction of these new strings, it became possible to use low strings with rich overtones.
As a result, the need for double strings, which had been used to compensate for volume, disappeared, and single strings, which offered greater clarity and freedom of performance, became the mainstream.
Furthermore, the ability to achieve a robust low-frequency range through wound strings led to the development of guitars with a sixth course string, seeking even lower tones.
Thus, from the late 18th century to the early 19th century, the five-course double-string Baroque guitar transformed into the six-course single-string (later six-string single-string) Early Romantic guitar, ceding its position.
As instruments with greater volume and dynamic range, such as the piano and violin, became the mainstay of concert halls, the Baroque guitar gradually fell into obscurity, becoming a quiet presence in the corner of museums.
The Early Music Revival Movement and Rediscovery
In the 20th century, a major trend emerged in the world of music.
This was the “Early Music Revival Movement (period instrument performance).”
This movement sought to perform Baroque-era music by composers such as Bach and Handel using period instruments and playing techniques from the time the music was composed, rather than modern instruments.
Within this movement, the Baroque guitar, which had been forgotten, was once again brought into the spotlight alongside instruments such as the harpsichord and viola da gamba.
Researchers deciphered old sheet music and documents, instrument makers created replicas based on museum pieces, and performers experimented repeatedly to revive the lost playing techniques and sounds of the past.
As a result, we can once again hear the brilliant and passionate sound of the Baroque guitar as intended by composers like Sanz and Vise.
Modern Performers and the Baroque Guitar
Today, many classical guitarists and early music specialists play the Baroque guitar.
What do they seek in this ancient instrument?
One is historical curiosity.
Playing Baroque-era repertoire on instruments from that era is a key to understanding the composer’s intentions and the true nature of the music.
Another is the discovery of new musical expression.
Techniques like reintrant tuning and rasgueado playing hold unique expressive potential not found in modern guitars.
By playing this instrument, musicians gain access to a completely different palette of sounds, enriching their musicality.
The resonance of the Baroque guitar remains a fresh source of inspiration in today’s musical landscape.
Ancient Strings and the Future
The Baroque guitar is not merely an underdeveloped precursor to the modern guitar.
It is a fully realized instrument born of the Baroque era, possessing its own unique aesthetics and philosophy.
Inheriting the tradition of the lute, incorporating Spanish passion, and embodying French refinement, its resonance swept across Europe, dramatically expanding the possibilities of the guitar as an instrument.
Its structure, playing techniques, and music laid the foundation for the evolution of the guitar, and its DNA continues to flow through modern guitars.
The fact that this instrument, which once seemed to have been swallowed by the waves of history and fallen silent, has begun to sing again before us after centuries is a testament to the universal power of true art.
When we pluck the strings of a Baroque guitar, we can indeed feel the buzz of 17th-century courts and the clamor of squares.
The tones spun by ancient strings open the door to the past while pointing the way to new paths in future musical creation.